¿Por qué tantos artistas construyen tótems?

El pasado abril en el Salone del Mobile , la feria anual de muebles en Milán, Sten Studio, una firma de diseño con sede en la Ciudad de México, exhibió 11 esculturas, algunas de hasta siete pies de altura, hechas de piedras geométricas coloridas colocadas una sobre otra. Incorporando rocas de todo el mundo (calcita azul de México, ónix verde y rosa de Medio Oriente, mármol Calacatta Lincoln de Estados Unidos), cada estructura tipo tótem estaba rodeada de arena turquesa que, dice el fundador y director creativo del grupo, José Miguel Schnaider, representaba tanto el polvo que se puede acumular al tallar piedra como un paisaje intergaláctico imaginario. La muestra, celebrada en una villa en ruinas del siglo XIX en las afueras de la ciudad, se inspiró en la alineación planetaria, las ruinas arqueológicas y la unidad global, dice Schnaider, de 34 años. “Todas las sociedades observan el cosmos. Los tótems y el arte vertical son un concepto universal que se puede encontrar en muchas culturas. En este momento intenso, queríamos crear arte que representara lo que tenemos en común”.

Las columnas de Sten Studio son solo un ejemplo del creciente número de piezas verticales monumentales creadas por artistas actuales. El término “tótem” proviene de la palabra ojibwa para designar el clan, pero los primeros tótems que encontraron los europeos —en la costa del Pacífico Norte a finales del siglo XVIII— fueron tallados en troncos de cedro rojo por otros indígenas americanos. Sin embargo, los creadores contemporáneos pueden inspirarse tanto en la antigua tradición de apilar piedras —incluyendo los montículos de piedras apiladas, utilizados en las culturas celta, gaélica, nórdica, sudamericana y africana para marcar tumbas, senderos y otros lugares importantes— como en esos imponentes pilares de madera.

“Este tipo de arte se puede encontrar de Oriente a Occidente”, dice Casey McCafferty, de 36 años, un artista radicado en Nueva Jersey que comenzó fabricando muebles comerciales en Santa Mónica, California, en 2010 y ahora crea esculturas abstractas de cedro rojo y roble. Dice que le gusta especialmente “la forma en que mi cuerpo se mueve instintivamente cuando estoy tallando libremente. Es ergonómico y gravitacional: el camino de menor resistencia”. Con el tiempo, su obra ha evolucionado hasta convertirse en los tótems de ocho pies por los que es conocido: imponentes formas parecidas a amebas con la extraña nariz, oreja o mano desplazadas. Olivia Cognet, una artista multidisciplinaria de Niza, Francia, produce esculturas de gres sin esmaltar inspiradas en la obra de Costantino Nivola, un escultor italiano de mediados del siglo XX de Cerdeña que utilizó hormigón moldeado en arena para crear tótems basados ​​en estructuras prehistóricas. “La escultura de estilo totémico fue una parte fundamental de la decoración de mediados de siglo”, dice Cognet, de 43 años, quien dirige un estudio en Vallauris, un pueblo de la Costa Azul, y también fabrica iluminación con círculos, cuadrados y otras formas de cerámica apiladas que se asemejan a los contornos de la cabeza de una esfinge egipcia antigua o a las alas de un águila. “No veo la frontera entre los objetos funcionales y mi escultura. Nada se hace con un molde, todo es arte”.

Las esculturas minimalistas del artista mexicano José Dávila —cilindros de hormigón apilados, esferas metálicas brillantes o piedras de lava— reflejan una búsqueda creativa diferente. Formado en Guadalajara como arquitecto, aborda su práctica con la mirada de un ingeniero. “Me atrae el acto fundamental de posicionar: equilibrio, tensión y liberación. Los humanos siempre han superpuesto objetos para darles un significado espiritual”, afirma este artista de 51 años, quien también se inspira en las ruinas romanas y las coloridas líneas gráficas de un edificio de Luis Barragán. “Se trata de enfrentarse a la fuerza de la gravedad, lo cual es un acto de desafío en sí mismo”.